По моему весьма нескромному мнению, группа Vehemence - это лучшее, что случалось с мелодичным дэтом в Северной Америке. Более того, их "God Was Created" я бы смело внес в топ-5 субжанровых релизов, особенно если ограничить лист именно дэтом, вынеся за скобки экстремальный финский пауэр. Надо сказать, что материал банды, даже несмотря на все приличествующие красоты вроде сочной соло-гитары, эпизодических клавишных и акустики, оставался слишком уж "больным" для хоть сколь-нибудь массового слушателя, и даже "Helping the World to See", демонстрировавший подвижки к груву и "-кору", ситуацию не изменил. В 2005-м году наши герои ушли в бессрочный творческий отпуск, из которого, казалось, уже не вернутся.

Но чудо в виде "Forward Without Motion" всё-таки случилось. По сути этот альбом - возвращение на позиции "GWC", только с более адекватным звуком, объёмным, сравнительно чистым, и с хорошо "разведёнными" инструментальными партиями. Это по-прежнему хоть и "мелодик", но прежде всего именно дэт. Здесь можно различить нечто гётеборгское, родом из ранних альбомов At the Gates, но если уж говорить о скандинавских влияниях на релизе, то это прежде всего Merciless. А вообще "Forward Without Motion" гораздо ближе к музыке Deicide (образца "The Stench of Redemption"), Deceased и Arghoslent. И если последних отличает пагубное пристрастие к расистским идеям, то Vehemence никак не избавятся от некрофилических наклонностей. Альбом в целом в плане лирики отличает желание говорить о Серьёзных Вещах (на серьёзных щщах), поведать слушателю немного об актуальной социальной повестке, приправить антиклерикализмом и предупредить об опасности любых манипулятивных учений (привет, Храм Народов, привет, "Jim the Prophet"!). Но, извините, при наличии на диске текстуального шедевра "She Fucks Like She's Alive" воспринимать это всерьёз невозможно. Зато с серьёзностью музыки полный порядок. Теперь эти мужики любят неспешно раскачиваться на почти хэви-металлических по духу риффах, а потом резко переключить передачу и ускориться до 600 битов в минуту под почти нойзовый инструментальный лязг. На потенциально хитовые ходы никто не разменивается, простеньких риффов, как и незамысловатых, ровных по ритмике песен можно не ждать. Ну и вокалист по-прежнему неистовствует, меняя сумасшедший скрим на поехавший, почти рвотный гроул; хотя, видимо, самые низкие, утробные звуки Натану сейчас неподвластны.

Сразу скажу, что вкуснейшие инструментальные мелодии тут находятся в двух последних композициях, так что если уже в "Imagining the Loss" вам кажется, будто ваш мозг безжалостно сношают, как ту мёртвую подругу из трека номер восемь, то, скорее всего, вам следует обратить внимание на менее радикальных представителей субжанра. Кроме того, не стану отрицать, по местной традиции альбом несколько затянут. И если "Murdered by the Earth" можно просто безболезненно урезать на минуту-другую, то истеричную "It's All My Fault" следовало бы просто отправить на свалку. Впрочем, это уже, прямо скажем, потребительский экстремизм. Произведение абсолютно штучное, подобный дэт с таким балансом мелодики и агрессии, без уклона в обскурный грубый саунд, да ещё и с логично и красиво выстроенными монументальными композициями уровня "A Dark Figure in the Distance" (без зацикленности на самоповторах - привет, Vital Remains) сейчас практически не делают. Тем более что самих Vehemence мы теперь, видимо, опять потеряли из виду - как минимум до 2025-го.

Jotun  17 май 2020

Есть у нас в стране трасса М5, расположенная примерно на пути от Челябинска до Екатеринбурга: основная часть дороги полна ухабов, трещин и ям. Конечно, местечково проложен новенький асфальт, но общей картины это не меняет. Вот и российская тяжёлая сцена выглядит примерно так же, как наши дороги: есть Аркона, выбившая себе контракт с Napalm, есть Arida Vortex, соло для которых писал не так давно аж сам Роланд Грапов, были восхитительные Forgive-Me-Not...

Собственно, достойных коллективов у нас на просторах родины, на самом деле, немало, но, увы, особой популярностью и влиянием пользуются в основном группы, которые пробились в 90-ых и начале 00-ых благодаря кумовству. Казалось бы, в эпоху развития цифровых технологий и скоростного интернета должны появиться самородки, которые бы могли миновать огромное количество препятствий на пути к самореализации и дальнейшему успеху. Но, как говаривал Роман Гурьев: "Очень важна музыкальная диета".

Rosa Infra представляет собой как раз продукт современного развития технологий: совершенно невозможно точно сказать, опираясь на слух, был ли альбом "[дети_ущерба]" записан в студии или дома на ноутбук. Сумбурная электронщина, переполняющая каждый трек на альбоме, могла быть создана любым школьником в небезызвестном FL Studio. Записать более-менее чисто гитару, при наличии хорошей звуковой карты, тоже не является большой проблемой для большинства современных пользователей PC.

Отдельно стоит сказать про то, что Rosa Infra, вероятно, называет вокалом. Безусловно, данная составляющая любого коллектива оценивается исключительно на уровне "нравится-не нравится". Лично я никогда не был поклонником группы Король и Шут, так как, на мой взгляд, голос Михаила Горшенева был всегда далек от приятного, как и его своеобразные интонации и манера пения. А вот Николай Карпушин, судя по всему, получает немалую толику удовольствия, прослушивая раз за разом "Ели мясо мужики". Вот только что бы соответствовать не только кумиру юности, но еще и заданному стилю, на вокал были наложены посредственные фильтры. Вполне вероятно, Карпушин просто пел в трехлитровую банку, благо жанр не воспрещает.

Кстати, со стилистическим самоопределением у Rosa Infra ситуация также не однозначна. Сам ВИА указывает в соцсетях, что является первой группой в России, которая играет в стиле "Инфра-Метал". Врать не буду, Industrial я слушаю крайне редко, особенного подобного рода. И, тем не менее, если каждая Industrial Metal группа будет придумывать для своей музыки новые названия, они не перестанут от этого быть Industrial Metal, и уж тем более не могут говорить о том, что создали что-то новое. Даже Igorrr, при всей своей уникальности, всё равно не создали новый жанр, что уж говорить про Rosa Infra.

После прослушивания "[дети_ущерба]" создалось впечатление, будто где-то я подобного рода откровение уже слышал. Глубоко копаться в памяти не пришлось: если Rosa Infra и играют в стиле "Инфра-Метал", то создано сие непотребство было группой Пилигрим на альбоме "7.62". Вот только давая название альбому, Rosa Infra явно были более честны с самими собой.

Exceptional  17 май 2020

Сторонний проект Туомаса Холопайнена (Nightwish, на всякий случай), его супруги Йоханны Куркелы, знакомой многим по гостевым вокальным партиям в Sonata Arctica и на сольнике всё того же Холопайнена, посвящённом Скруджу Макдаку, а также Троя Донокли, на тот момент вот уже пять лет обретавшегося в составе "Ночной Нужды". Auri заявлялся как нечто, хоть и близкое основной группе большинства её участников по духу и атмосфере, но совершенно отличное по музыкальной форме. И правда, не в пример тому же "The Life and Times...", на котором отчетливо просматривались следы недавнего на тот момент "Imaginaerum" - только со слегка изменённым балансом кельтского фолка, симфонической музыки и рок-инструментария (ну и с меньшим количеством вокальных партий), здесь мы наблюдаем мягкий микс фолка, нью-эйджа и поп-музыки, очень похожий местами на творчество немки Oonagh. Начинается альбом вполне себе здорово: "The Space Between" - очень даже хит, "I Hope Your World Is Kind" удачно играет на контрасте довольно бодрых куплетов и тягучих, сравнительно более мрачных припевов, "Skeleton Tree" радует прилипчивой, хотя и откровенно незамысловатой мелодией. Но с неё же начинаешь ощущать первую заметную проблему. Вокал Йоханны... как бы так помягче выразиться... не очень. Особенно "не очень" он в моментах, когда Куркела поёт без слов, то есть, выступает де-факто в роли ещё одного музыкального инструмента. У неё приятный тембр, этого не отнять, но ни силы голоса, ни выразительности, ни особенных эмоций, которые бы он передавал, не заметить. И её исполнение совершенно однообразное! Да, Кэндис Найт, скажем, тоже везде примерно одинаковая, но то, сколько красок в её исполнении, и как широк её вокальный диапазон, всё компенсирует. А здесь... Занятно, что более насыщенный, громкий и глубокий инструментальный микс "Скруджа Макдака" и исполнение Йоханны аудиально делал более внушительным. "Auri" же сравнительно тих и загнан в относительно узкий частотный диапазон, так что над его плоской равниной воспарить Куркела не может.

Положение дел мог бы исправить Донокли, но ему здесь дают нормально спеть только на "Desert Flower". И как раз эта песня показалась мне первой, где инструментальная основа стала откровенно скверной. Вообще, чем сильнее углубляешься в материал альбома, пробираясь всё дальше по треклисту, тем отчетливее осознаёшь: а ведь это было предупреждение и по поводу грядущего релиза Nightwish. Сначала нас лишают запоминающихся мелодий, а затем музыка становится практически фоновой, будто второй диск "Human :||: Nature". Глядя на количество инструментов, на которых здесь играл Трой, поневоле думаешь: а где это всё? Аранжировки бедны, звуковое разнообразие почти отсутствует, атмосфера отсутствует уже безо всяких оговорок. Это однозначно худший сольник среди трёх проектов "ночных желальщиков", что я слышал (Northward Флор Янсен, сольный Хиетала и вот это вот). На этот раз гуси уже не унесли Нильса в страну сказочных мелодий и неисчерпаемого композиторского вдохновения, а просто пролетели мимо, ещё и нагадив на голову.

Jotun  17 май 2020

Увидев этот альбом в каком-то из пабликов ВК я долго смеялась и весёлое настроение по поводу данного диска не покинуло меня до сих пор. Самое забавное, что “Дети ущерба” совсем не является юмористическим и комедийным релизом, но ощущения от него у меня всё равно по большей части ироничные и хохочущие. Дико хохочущие, я бы сказала. Название так плотно ко мне прилипло, что я недели три примеряла его повсюду и дико радовалась результатам. Скажем, сижу в гот-чатике ВК, присылает кто-то фотку и приписывает: “Это наша гот-тусовка в 2005 году”, а я смотрю на холёные лица-помидорки, нелепые клоунские кафтаны и мысленно вывожу на снимке стильным шрифтом: “Дети ущерба”. Апхахочешься. Подходит идеально и характеризует на все сто.

Никогда не сомневалась в серьёзности Николая Карпушина и в солидности его мыслительных способностей, но это действительно нужно суметь ТАК всех подколоть, поддеть и при этом не изменить своим концепциям и глобальным писательским целям, сохранив невозмутимое выражение лица. Уже название у пластинки подобрано такое, что у диванных критиков и “тру-метал-воинов андеграунда” начнётся непроизвольное самовозгорание в районе “нижних полушарий головного мозга”, под которые люди пожилые имеют свойство подкладывать подушечку, а узколобые метал-эксперты автоматически примут сей фразеологизм на свой счёт и примутся яростно критиковать данный опус с тем, чтобы отвести подозрение в том, что он мог задеть их за живое и поранить нежные чувства суровых метал-воинов.

А ведь так и случилось. Шквал хейта, сероводорода, сушёных обезьяньих экскрементов и тухлых помидоров полился на Rosa Infra как из рога изобилия, и никто даже не попытался послушать собственно музыку или вникнуть в смысл слов и фраз, которые атонально пропел мимо нот в этот раз Николай. Если вам кажется, что я сейчас пишу не то и не о том, я советую вам вспомнить (или прочекать, если вы ещё слишком малы, чтобы помнить такие вещи), что и как писали в своих рецензиях самые именитые и титулованные журналисты самых именитых и титулованных изданий вроде Kerrang! и Metal Hammer про самые культовые и значительные для металла компакты.

Прочекали? То-то. А теперь сравните эти серные фейерверки смрадной органики и то, что пишут сейчас про рецензируемый кругляш. Это потрясающее déjà vu и практически полная калька с разницей в двадцать, тридцать и даже сорок лет показывает, что люди на самом деле не так уж сильно и изменились: мы всё так же боимся сунуть свой нос чуть дальше, чем это принято у наших, столь отвратительных нам, но столь похожих на нас соседей, критикуем всякого, кто не похож на нас, или, упаси Керри Кинг, лучше нас, оскорбляемся по поводу и без повода, а живём в стиле “проснулся, опорожнил кишечник, съел чокопай”. Вам всё ещё кажется, что всё это не про нас? Кхм, ну что ж, свои носки никогда не пахнут – кое-кого из ближайших знакомых в данном описании вы уж точно узнали и задетектили безошибочно.

А тем временем альбом оказался крутой. Если отвлечься от сетевых холиваров и просто уделить ему час своего драгоценного времени, приспустив на время маску напускного снобизма, то этот диск просто приятно и интересно слушать. Если “Мета-кома” спустя месяц активного изучения мне всё-таки надоела и была отправлена коротать свой век и пылиться в ожидании лучших времён на полку, то “Детей ущерба” можно гонять в плеере как хитовую жвачку, и, занимаясь своими делами, параллельно прикайфовывать под эти уже не такие грозные, тяжеловесные и угловатые, как прежде, вещи. Конечно, это не Axxis и не Pretty Maids, не зализанный пауэр-метал, но в своём стиле всё это вполне и на удивление благозвучно, слушабельно и даже хитово.

Симпатии Карпушина к “Зелёному гиганту” и к классике Type O Negative свободно выпорхнули наружу, не желая более прятаться и скрываться, но этот каминг-аут почти не замечаешь или по крайней мере, не особо на нём акцентируешься. Атака сдвоенных бас-гитар и гипер-толстые струны уже не кажутся такими довлеющими и грузными, мелодии размножаются как микробы в недрах носового платка скошенного гриппом гражданина, а вокал или точнее, теперь уже вокалы, вовсю отрываются в стиле авангардного беспредела с блэкджеком и с прочими причитающимися и вытекающими. Надо заметить, что Юлия Тюрина стала великолепной находкой Rosa Infra, и с её появлением команда, наконец, обрела свой завершённый и состоявшийся вид, закончив сборку своей финальной конфигурации, а в текстах стало больше грусти, философии, горечи и сдержанности.

Это определённо взросление, но не стрёмный “пенсия-метал”, который выдали на последнем альбоме Educated Scum со своим стариковским “семь раз отмерь, один раз отрежь”, а просто взвешенный, солидный, давно переставший суетиться не по делу и обращать внимание на лающих мопселей и, может быть, слегка подуставший колосс. От запальчивости и эпатажа “Мета-комы” здесь только тени и намёки, а атмосфера и настроение альбома напомнили мне философские конференции, симпозиумы и последующие фуршеты, где народ всё сплошь интеллигентный, но не чуждый остроты и острот.

И всё-таки ситуация с “Детьми ущерба” забавная и характерная. Альбом действует как универсальный индикатор, мгновенно переводящий из тайного в явное все наши стереотипы, ментальные клише и раздутую предвзятость. Меня здорово улыбает, когда я наблюдаю, как одни и те же люди сначала жалобно скулят о том, что настоящего бескомпромиссного и умного металла не стало, а потом, не потрудившись даже разобраться что к чему, начинают активно хаять и поливать нечистотами Rosa Infra. Какие здесь могут быть “объективные” недостатки? Всё сыграно и записано по стандартам наших дней, а что вокал непривычный, так у Sepultura на “Morbid Visions”, у ранних Messiah и ещё у сотни подобных групп всё было ещё более непривычно для их времени, критики плевались ядом, а простые металхэды слушали и в ус себе не дули. Почему бы нам всем не стать немного более open-minded, к чему, кстати, метал-коммюнити так часто призывали журналисты “М” двадцать лет назад? Неужели у нас у всех разом случилась амнезия, и мы вдруг стали наслаждаться своей стариковской ворчливой ограниченностью?

Но Rosa Infra не удовлетворились одними только серьёзными текстами и вокальной акробатикой и дабы окончательно припечатать всех “позёров”, решили подчеркнуть свою радикальную неформатность ещё и затянув диск по самые помидоры. Дослушать альбом до конца смогут только самые стойкие и терпеливые, а въехать в замысел и в сюжет будет под силу и вовсе единицам-очкарикам. И кстати о сюжете. Тэмок est mort, vive Тэмок! Они всё-таки убили его. Кто бы мог подумать, что это случится, но это так. То, чего не сделала Роулинг с Гарри Поттером, с удовольствием провернул Карпушин со своим центральным и наверняка уже полюбившимся одиноким регентшам-библиотекаршам персонажем. Ума не приложу, кого теперь станет озвучивать Николай, и кого будут соблазнять коварные искусительницы культа потребления, расставляя свои призывные сети и эксплуатируя эротичные вокализы Юлии Тюриной (может, друг друга?), но узнать про это и поскорее заполучить третью, заключительную часть инфра-метал-трилогии мне уже не терпится.

“Дети ущерба” – это жестокое зеркало, в котором отражаемся все мы, наши грехи, недостатки и пороки. Чего уж лукавить, все мы в определённых обстоятельствах бываем похожими на “детей ущерба”, каждый из нас иногда не прочь пойти на сделку с совестью или просто проигнорировать её, и всем нам рано или поздно всё это выходит боком. Альбом редкий и не пустой, и уже хотя бы этим хорош и заслуживает внимания. Даже если у вас запоры и несварение от Type O Negative и метких вокальных попаданий мимо нот Карпушина, попробовать послушать это дело обязательно нужно хотя бы для общего развития, ну а дальше – love us or hate us, и как там дальше-то у Kreator?...

Не стану утверждать, что это провал, квинтэссенция обманутых ожиданий и ад самоповторов, но и не буду спешить объявлять “Детей ущерба” альбомом года, как уже поспешили некоторые ресурсы и аналитики, однако при всей своей одиозности, философской твердолобости и затянутости, альбом-таки выделяется на фоне отечественных металлических порослей и превосходит многие из них на голову или даже на две. 7 из 10 – тот самый вердикт, который более всего подходит пластинке, если мы хотим быть профессиональными и объективными, однако в народе оценка релиза наверняка будет ранжироваться от 0 из 10 (или даже -10 из 10, хех) до 10 из 10. А вот мерч с символикой “ущербных детей” я бы прикупила с удовольствием – в такой футболке хоть к престарелым готам на вечеринку, хоть в “Магнит” за скидками – везде будешь в центре внимания и самая femme fatale.

Диана Цепеш  17 май 2020

Завидев недавно в ленте новостей Be’lakor, я уже обрадовался, подумав, что наконец-то они сподобились на что-то свеженькое, однако, как и многие, расстроился, увидев лишь лирик-видео на песню с альбома 2016 года. Дабы удовлетворить внезапно возникшее желание послушать их, я решил повспоминать их прошлые альбомы. И за прослушиванием я в очередной раз убедился, что "Of Breath and Bone" - их лучший, по моему мнению, альбом.
Без лишних долгих вступлений альбом начинает свое повествование на "Abeyance" и очень ровно звучит в том же ключе до самого конца с небольшим, разве что, c перерывом в "To Stir the Sea". До того ровно, что при невнимательном прослушивании может создаться ощущение, что играет одна и та же песня. В иной ситуации я бы посчитал это минусом, но не в данном случае. На этом альбоме всё звучит так, что своей размеренностью и монотонностью успокаивает и навлекает какую-то умиротворенную задумчивость и светлую грусть. Эта плавность звучания выражается в нескольких аспектах. Во-первых, звучит альбом очень мягко. Так и вертится на языке слово «зефир». Поэтому здесь хочется провести параллель с атмосферным блэком. Такое сходство также напрашивается, если обратить внимание на игру ударных: барабанщик не балует слушателя разнообразием партий и почти постоянно самозабвенно молотит бластбит. Однако, опять же, не хочется называть это недостатком, так как такая игра на ударных хорошо работает на общую атмосферу и звучит очень органично во взаимодействиями с другими составляющими музыки. Во-вторых, песни сливаются в единый поток еще и из-за своей необычной для мдм структуры, в них нет стандартного разделения на «кулет-припев-куплет-припев-соло-припев». В этом можно усмотреть толику прогрессива, однако все же больше сходства именно с атмо-блэком. В-третьих, все песни звучат плюс-минус в одном и том же темпе. Альбом наполнен отличными мелодиями, многие из которых хорошо запоминаются. Нельзя также не сказать про вокал: очень нравится такого рода гроул – глубокий и величественный.
Сравнивая этот альбом с прочими работами, хочется отметить, что на 'Of Breath and Bone" музыканты нашли свою лучшую, на мой взгляд, кондицию. Хоть содержательно альбом 2012 года не сильно отличается от своего предшественника, но всё же в самом характере звучания "Stone’s Reach' я не почувствовал той обволакивающей медитативной атмосферы, за которую, помимо прочего, я так люблю "Of Breath and Bone". На "Vessels' же, как по мне, австралийцы совершили пусть и интересную, но не самую удачную попытку уйти дальше в сторону прогрессивности. Что ж, с нетерпением жду от них новые работы, а то ведь 4 года прошло с выхода "Vessels" – уже пора бы!

Whiterey  16 май 2020

Восьмой студийник прогрессивно-дэтовых итальянцев оказался целиком посвящён творчеству величайшего режиссёра Альфреда Хичкока. Чаще всего даже по названию песни легко догадаться, с какой именно кинокартиной она аффилированна. И однако же треклист выстроен донельзя странно. Тут легко было соблюсти некую историческую последовательность, или ранжировать фильмы по тематике, по степени возрастания кровавости... да как угодно. И все жё в итоге это просто набор беспорядочно перетасованных зарисовок, где начинается всё с раннего хичкоковского творения "39 Шагов", датированного ещё 1935-м годом, и где его фирменный почерк ещё даже не просматривается, а заканчивается ещё более давней лентой "Downhill", которая и триллером-то не является, насколько мне известно. Впрочем - маленький плюсик в копилку Sadist - трек по немому фильму (1927 год, на секундочку) они догадались сделать сугубо инструментальным.

И всё же оммаж дедушке Альфреду получился весьма невзрачным. Произведения последнего немыслимо представить без интриги и саспенса, а это как раз нечто, на "Spellbound" категорически отсутствующие. Песни однообразны, бедны на сюжетные повороты и чаще всего даже не пытаются создавать какую-то атмосферу. Этот релиз вообще больше похож на демо-запись. Не сырые первые наброски, но некий микс идей, над которыми ещё работать и работать. Продакшен у альбома крайне скверный: ударные режут уши и заглушают бас (что для всяческого техно-прога - большой грех), гитара мало того что выпячена на передний план без меры, так ещё и "размазана" по нему так, что толком вычленить структуру риффов не всегда получается. Впрочем, на поверку в этой структуре всё равно не содержится ничего экстраординарного. Почти вся мелодическая нагрузка ложится на синтезаторы (где-то тут ещё есть пара гитарных соло, но не более того). Главный плюс всего альбома в том, что в клавишных партиях действительно ощущается влияние произведений Бернарда Херрмана, сочинившего музыку для многих картин короля триллеров. Но и тут есть своя загвоздка. Даже у Херрмана не так много саундтреков, производящих впечатление без привязки к видеоряду - и, собственно, для подобного рода записей это вполне нормально. Sadist, у которых картинки нет вовсе (а изобразительный потенциал вокала, так и оставшегося на уровне "половина возможностей Шульдинера на поздних альбомах Death", крайне мал), кровь из носу требовалось насытить мелодии как можно плотнее, но на деле по меркам группы они звучат даже скуповато, да и выбор нот в них воображение не поражает.

В итоге альбом не то чтобы совсем беспомощен и плох; зато он скучен, однообразен, плохонько записан и вообще крайне сырой композиционно. Как для замаха на наследие не кого-нибудь там, а аж Альфреда Хичкока, это, прямо скажем, провал.

Jotun  16 май 2020

После холодного зимнего "Season in Silence" итальянцы решили радикально изменить вектор и настроение своей музыки, на "Hyaena" рванув прямиком в знойную Африку. Это своего рода концептуальный альбом, но концепция здесь выражена не в истории, а, скорее, в географии происходящего (и немножко биологии). Здесь в достатке и легенд, и религиоведческих экскурсий в местные верования, шаманизма и анимализма, ну и прогулок по природным достопримечательностям. Ах, да - и, безусловно, африканских флоры и фауны, хотя тотемное животное Sadist подобрали себе достаточно мерзкое. От хорошей, здоровенной гиены (самки у этих тварей куда больше самцов) даже смрад исходит такой, что близко не подойти. Однако люди сумели приручить и выдрессировать даже их - это удалось, например, семейству странствующих артистов (себя, впрочем, они подают в качестве самых настоящих магов) гадаван-кура, которым посвящена шестая композиция релиза.

В любом случае, можно порадоваться хотя бы тому, что гигантские доисторические гиены "Pachycrocuta" (из второй песни) успели благополучно вымереть 400000 лет назад.

Что до чисто музыкальных аспектов, то следует отметить, что в каком-то смысле Sadist отступили на те позиции, которые занимал их эпонимический альбом 2007-го года. Куда меньше стало клавишных, на их место пришла всевозможная этническая экзотика. В частности, Томми Таламанка вновь даёт право голоса оуду и сантуру (струнный щипковый и струнный ударный инструменты соответственно), а в ударных партиях значительно выросло присутствие трайбал-перкуссии. Что до гитарных пассажей, то сравнительно незатейливые, практически чистокровно мелодик-дэтовые рисунки заметно потеснились под напором отвоевавших пространство джаз-дэтовых риффов, плетущих структуры с фирменной изломанной ритмикой. Практически не претерпел изменений разве что вокал Тревора - всё тот же надрывный скрим, эдакая слегка "проржавевшая" версия позднего Чака Шульдинера. Исполнение, мягко говоря, на любителя, но ничего совсем уж критически невыносимого я в нём не слышу. Кстати, о Шульдинере и его Death тут немало напоминаний и в музыке непосредственно, альбом даже стартует будто бы с риффа родом из "Individual Thought Patterns".

Уровень материала "Hyaena" близок к отличному. Лично я чаще других переслушиваю "Scavenger and Thief" и почти образцовую в плане интеграции этнической музыки в прогрессивный дэт "Eternal Enemies". Но чтобы хоть одна из оставшихся песен скатывалась в тягомотину и уныние - отнюдь. Мне, конечно, жаль, что Sadist давным-давно оставили в стороне эпические замашки "Above the Light", но если уж чувствуешь, что не потянешь такой хронометраж, то, пожалуй, лучше и не пытаться. Этот полноформат, наряду с "Season in Silence", является лучшим, что группа сделала после своего возвращения на сцену в средине нулевых... если честно, даже лучшим со времён "Tribe". И если раньше я бы однозначно отдал предпочтение более мелодичному и приставучему "зимнему" альбому, то сейчас уже далеко не так уверен в собственном выборе.

Jotun  16 май 2020

Tyler Durdenn… Название группы в честь персонажа “Бойцовского клуба”, эстетика Silent Hill, русский готический рок – всё цинично, реалистично, жестоко и беспощадно. А разве бывает иначе? По идее, такой жанр надо бы называть “игры в декаданс” или “исповедь израненного сердца”, но в наших широтах исторически принято иначе. Среди своих кумиров и образцов для подражания эти ребята называют не Роберта Смита и не Joy Division, а вымышленного героя Чака Паланика (Тайлер, приём, как слышно?), который боролся с самим собой и “с ленью и жиром цивилизации”, а значит от их дебютного полноформатника можно ждать повышенной литературности, предельных тонов и латентной депрессии, что уже само по себе замечательно, а для интровертов и всякого рода асоциальных бунтарей и маньяков, так и вообще рай и радость.

Tyler Durdenn – дуэт и творят там два непроходимых циника и реалиста, один из которых поёт и играет на гитаре, а второй помогает с басом, гитарами, ударными, клавишными и влачит обязанности продюсера. Смысл своей совместной творческой деятельности сами музыканты определяют как попытку избавиться от внутренних демонов, а в своём недавнем интервью РокКору вокалист Антон очень красочно рассказал о том, что главный враг человека - он сам, стадность – это плохо и грустно, а самое грустное – розовые очки. От подобных настроений и разговоров я ёжилась и покрывалась гусиной кожей словно противный зелёный огурец, а попутно пыталась вспомнить, где же мой любимый клетчатый шарф, в котором так уютно, тепло и безопасно пить попсовый “акварельный” кофе 3 в 1, однако если кому-то хочется правды, прямых высказываний и честных формулировок, то ему точно сюда.

Латентная депрессия хороша по крайней мере тем, что её можно использовать как маленькую карманную смерть и любоваться на этот складной смертоносный кристалл, упиваясь собственной конечностью и уязвимостью, но никогда так и не переходя заветной грани и не нажимая на лезвие слишком сильно, а опасна она уже хотя бы тем, что заветную грань нащупать с аптекарской точность просто невозможно, а всё скрытое и подавленное рано или поздно сваливается недоеденной мишкиной кашей на голову случайному прохожему, и тогда уже спасения и исхода не ищи. В наше время все, кому не лень, орут о том, что их песенки - это “больше чем музыка”, но в случае с Tyler Durdenn это, пожалуй, и правда так. Слушать такое в качестве фона или вперемежку с Tokio Hotel и HIM – настоящий библейский грех, ведь тут нужна концентрация и пиетет, а в перспективе каждый, кто тянется послушать и прикоснуться к этим “Снам…”, сам должен быть потенциальным самоубийцей или, как минимум, не исключать такого варианта развития событий.

А больше всего из перечисленного у “Снов самоубийц” депрессии и атмосферы. Жёсткие гитары и горький, надрывный, словно на последнем издыхании выплёвывающий слова, вокал, драматичные тексты, атмосферные перепады перегруженных гитар – это тоже есть, но больше всё-таки упадочной атмосферы и депрессивных терзаний. Если Агата Кристи для вас слишком криклива, истерична и безбашенна, то Tyler Durdenn должны оказаться более подходящими и уместными, ведь их игры в декаданс больше похожи на правду и более готичны, а дурашливой весёлости и эпатажа на альбоме нет и не предвидится.

Треки “Души не сгорают” и “Тихий холм” начинают альбом на довольно бодрой и хитовой, лишь слегка печальной ноте, но далее депрессивный туман нарастает, и всё принимается отчаянно тонуть в стенаниях, глубокомысленных переборах и в шёпоте умирающего и всё потерявшего человека. Каких-то истерик и исступлённых семейных драм здесь нет, всё исключительно внутри, но от этого ещё холоднее и страшнее. Альбом не является концептуальной рок-эпопеей, однако связь всех песен воедино общей идеологической схемой в данном случае совершенно очевидна.

Влияния Паланика, насколько я смогла их распробовать и идентифицировать, заключаются у Tyler Durdenn в попытке создания некоего изолированного (самоизолированного, хех) куба, где человек, оставшийся наедине со своим бредом, плачевной несостоятельностью и взаимоисключающими хотелками, мучается и трепещет как муха без крыльев в лапах у паука, но выхода и конца этому бесконечному самоубийству нет как нет. В таком выведении за скобки все проблемы становятся ярче и очевиднее, все показатели освобождаются от случайных примесей, а поправки на ветер делать уже не приходится, потому что и ветра как такового в этом экспериментальном аналоге больничной палаты просто нет. Вслушиваешься в такое (взять хоть “Туман” или “Войну”, о двух последних треках с диска, самый финальный из которых длится аж почти девять минут, я даже не говорю) жутковато, но, кажется, музыканты и хотели нарулить вот такой страшненький и наводящий оторопь диск, который бы пугал, будоражил и будил естественные защитные рефлексы наших бренных организмов.

Хотя, может, это только моё восприятие, и никакой депрессии у суицидальных снов Тайлера нет. Для иных из нас ведь и Slayer будут депрессивны и мрачны, а для кого-то в этих риффах, скрежете и хриплых стенаниях Тома Арайи благодать и восторг – как говорится, что русскому хорошо, то для немца – капут и тодесшмерц. Кто виноват, что выпил слишком много, и асфальт больно бьёт по голове; кого винить, что реальность реальна, и эта реальность не похожа на розовые сны розовых мультяшных принцесс? Tyler Durdenn препарируют действительность холодно и отстранённо, деловито раскладывая по разным пробирочкам новорождённых гусениц, оторванные лапки пауков, мёртворождённые мечты, пожелания добра и человеческие пороки. Кому-то стерильно-беспристрастный свет этой лаборатории покажется сущим кошмаром, а кто-то вздохнёт с облегчением, сбросив, наконец, с себя неискренность приторных улыбок и сковывающие скулы благожелательные слова, да и выдохнет с облегчением: “Наконец-то я дома”.

Альбом по структуре напоминает сны и бесконечные бредовые блуждания в алкогольных сонных видениях. Даже если вы будете предельно внимательны к этим тринадцати трекам, надоесть они вам смогут не скоро. Альбом глубок и разнообразен как кроличья нора, которую так любила протирать своей юной попкой Алиса, а баллады, сэмплы, намёки на психоделический авангард, бодрые хитовые боевички, трагические расставания, окровавленные лезвия и ненужные подарки здесь произрастают в таком чудесном ассортименте, что даже товароведы из Пятёрочки и Магнита обзавидуются. Рефлексирующие азиаты, которых так любят цитировать постоянно крадущие друг у друга контент паблики ВКонтакте, говорят, что если в вашей жизни не хватает проблем, горестей, огорчений и невзгод, вам нужно обязательно купить их себе, ведь иначе вы не сможете развиваться, расти и осваивать новые переживания. Что ж, после того как “Сны самоубийц” появились на стриме, вопросы вроде “где купить?”, “как купить?” будут уже совершенно неуместны: вот же, всё перед вами, доставайте свой мешочек с золотым запасом и страдайте на здоровье, а не хотите доставать - слушайте бесплатно и страдайте сколько вздумается. За реалистичность эксперимента и за хичкоковских птиц на обложке ставлю “Снам…” и “самоубийцам” во главе с Тайлером 7 из 10.

Диана Цепеш  15 май 2020

Второй студийник этой банды из Ливерпуля собрал неожиданно весьма позитивную прессу, почти единогласно утверждавшую, что "I Let It In and It Took Everything" - не просто альбом хороший, но ещё и сумевший существенно расширить рамки металкора как жанра, да изменить само представление о том, что допустимо делать в его границах. Что же такого оригинального смогли представить парни, выступающие под далеко не самым оригинальным названием?

Сразу скажу, что никаким эволюционным прорывом здесь и не пахнет. "Расширение рамок" - это то, что в своё время делали Botch, или Deadguy, или, если уж на пошло, Killswitch Engage, и до сих пор делают Converge. Что до Loathe... Скажем так, в рамках этого релиза встретились два практически самостоятельных, мало пересекающихся произведения. Первое - это довольно агрессивный металкоровый опус, без размениваний на чистый вокал и "мелодичные сопли", с, может быть, даже чересчур выкрученным дисторшеном, ну и высокой интенсивностью, вплоть до стандартов упомянутых Converge. Второе - эдакая смесь шугейза, эмбиента, мягкого альтернативного рока и ню-металла - и да, это похоже на более спокойные песни из портфолио Deftones. Тем более, и вокалист нисколько не скрывает попыток подражать Чино Морено. Случаются композиции вроде "New Faces In the Dark", где обе эти стилистики соприкасаются, но, как правило, один отдельный трек полностью следует исключительно одному из указанных маршрутов.

При этом Loathe явно знают толк в том, как применять обе стилистики, благодаря чему здесь есть и отличные агрессивные слэшеры вроде "Gored", и изумительные атмосферные хиты, как, скажем, "Sad Cartoon". Но вот собранный под одной крышей, в таком виде и с такой структурой, "I Let It In..." оставляет слишком уж смешанные чувства. Тем более что металкоровая часть его в итоге кажется чересчур однообразной (и это на будто бы прорывном для жанра, напомню, альбоме), а шугейзово-альтернативные опусы местами можно, и даже нужно безжалостно сокращать.

Jotun  15 май 2020

Девятый (и, с оговорками, последний "полноценный") номерной альбом Kraftwerk никогда не обладал статусностью и культовостью своих предшественников, заложивших основы всей современной электронной музыки - от "Autobahn" до "Computerwelt". Причина тому достаточно проста: остальной мир наконец-то догнал основательно опередивших своё время в творческом и идеологическом плане немцев. Панки с синтезаторами массово творили нью-вейв, синтпоп переживал период расцвета, и даже техногенный уродец индастриал понемногу перебирался на рельсы электронной, а там уже и рок-музыки. В 1986-м никто банально не нашёл, чему здесь удивляться, а действительно революционные идеи, имеющиеся в "Electric Cafe", разглядеть было непросто и через несколько лет. А вот в девяностых начали открываться неожиданные вещи. Например, что из трёх минут абсурдистской зарисовочки "Boing Boom Tschak" (и целой кучи подслушанных там и сям мелодий) может родиться целая дискография группы Scooter. Или что заглавная песня - это дедушка той музыки, из которой спустя десятилетие вырастут психоделический транс и психоделический эмбиент. А уж так элегантно и органично интегрировать в музыку сэмплы (в данном случае - звуки работы телефонной линии), как это сделано в "Der Telefonanruf"-"The Telephone Call", до сих пор не умеет практически никто.

И уж точно совсем никто представить не мог, что аж в 2002-м году группа "Неприкасаемые" с Гариком Сукачевым во главе утянет из песни "Sex Objekt" и басовую партию, и первые ноты для ведущего гитарного рисунка "Грязной Песни", и собственно саму строчку про "я хочу/не хочу быть твоим сексуальным объектом" для припева. Естественно, никаких упоминаний Kraftwerk - "автор: Дмитрий Варшавчик", и хоть ты тресни.

"Electric Cafe" мог стать первым для коллектива альбомом, полностью записанным на "цифре", но конечный вариант всё-таки писался на старом добром аналоговом оборудовании. Первая его часть - сторона "А" винилового издания - отведена под треки максимально механистичные. Они отнюдь не лишены мелодии, но торжествует тут резкий бит и весьма агрессивные металлические звуки. Привычных вокальных партий нет в принципе: голос, чаще всего Ральфа Хюттера, либо максимально искажался, роботизировался посредством наложения фильтров, либо и вовсе речь синтезировалась на компьютере. При этом наиболее "человекоподобные" по звучанию образцы ещё и отбраковывались.

В противовес стороне "машинной" - сторона "В", "человеческая". Да, именно так нужно писать дуалистичные, построенные на противопоставлении чего-либо, альбомы, товарищ Холопайнен! В "Телефонном звонке", скажем, заключена наиболее сильная вокальная мелодия всего релиза, причём поёт - именно поёт - здесь неожиданно Карл Бартос, очень долгие годы иначе как в качестве "придатка" для исполнения партий перкуссии на концертах не воспринимавшийся. В "Сексуальном объекте" все инструментальные линии звучат максимально пышно и объёмно, многие даже заподозрили группу в возвращении к "живым" инструментам, но нет - и здесь сплошная синтетика, но стилизированная просто отменно. За обе песни немцам, кстати, "прилетали" обвинения в копировании Duran Duran, The Human League и Depeche Mode даже, но это лишь следствие того, что за время отсутствия немцев на сцене все вышеупомянутые коллективы успели раскрутиться и написать кучу коммерчески успешных хитов. Очевидно, что без Kraftwerk и их творчества никого из вышеперечисленных бы просто не существовало, как и очевидно, что - за вычетом "депешей" - эти ребята не написали бы ничего подобного по уровню и проработке, даже выпрыгни они из собственных штанов. Ну и невероятно атмосферный финал; на самом деле, заглавная песня здесь - одна из лучших для "подсадки" на творчество Kraftwerk кого угодно. Вообще, уровень проработки абсолютно любой композиции здесь идеален. Ни единого лишнего звучка или нотки, что только лишь доказали последующие римейки и ремиксы.

Многие в то время задавались вопросом: а не слишком ли абстрактный посыл у альбома? Где глубокий смысл, где визионерство уровня того же "Компьютерного Мира" или "The Man-Machine"? Что ж, смыслов есть у меня! "Electric Cafe" как раз можно расценивать в качестве эссе на тему потери человечеством собственно человечности. Сначала трансформируется искусство: первая песня демонстрирует деградацию посылов в лирике, или, если хотите, вообще отрицает необходимость для текста иметь хоть какое-то значение для слушателя; далее следует пара композиций, в которых формализируется, механизируется и утрируется основная музыкальная форма. Далее распадается социум: в "Телефонном звонке" иносказательно показано, как человечество утратит навыки коммуникации (помним, что все попытки набрать нужного абонента заканчиваются неудачей), затем теряется тяга к отношениям интимным, и, следовательно, необходимость создавать пары и семьи в реальной жизни. А в итоге в "Электрическом кафе" остаются лишь тусящие в виртуальном мире компьютерные модели, вроде образов участников группы с обложки. Аватарки, если хотите.

Но даже если изложенное выше и является бредом, великолепия самого альбома это не отменяет.

Jotun  15 май 2020

The Dark Element своим дебютником моментально "сделали" Amaranthe и Delain, на стилистику которых ориентировались. Звучит, конечно, громко, но на деле это похвала в духе "боец муай-тай красиво избил двух инвалидов". По большому счёту, Яни достаточно было не воровать музыку у Тейлор Свифт, а Анетт - просто спеть пару нот, и победа была бы в кармане. "Songs the Night Sings" должен был ответить на более важный вопрос: способны ли The Dark Element стать новым ориентиром для всех тоскующих по торбам с волками и духу свободы и волшебства (да-да, вроде меня). Что ж, дуэт изгнанников из Nightwish и Sonata Arctica постарался. Другое дело, что возможности одной из сторон в композиторском плане несколько ограничены.

Яни Лииматайнен - очень хороший гитарист, и сочинять отличные песни он способен: Insomnium уже обязаны ему хотя бы за "Mute is My Sorrow". Но писать шедевры сплошным потоком - явно не про него, и от зацикленности на определённых мелодических рисунках он избавиться, видимо, неспособен. А уж когда две первых композиции релиза, "Not Your Monster" и собственно "Songs the Night Sings", начинают откровенно пережёвывать гармонические паттерны из "Dead to Me" и "The Ghost and the Reaper" со своего же, тёмно-элементарного, дебюта, становится немного грустно. И всё же альбом в дальнейшем "раскрывается", и заметно вполне очевидное направление развития проекта - в сторону музыки более тяжелой, быстрой и "симфоничной", на смену трансу и прочей электронике с диска 2017-го года. Благо, Анетт Ользон по-прежнему остаётся одной из лучших ведьм всея рок-сцены. Практически никто своим голосом не умеет так же убедительно изображать и милоту, и угрозу практически одновременно. Эдакое хищное и ядовитое очарование. Чёрт, я бы дал ей роль - или хотя бы озвучку! - Ядовитого Плюща в какой-нибудь экранизации. Это именно та магия, которая нынче совершенно оставила Nightwish, бьющих рекорды нравоучительного занудства.

Материал в целом... хороший - тут я исхожу из убеждений, что самоплагиат, когда он не достигает масштабов Rotting Christ, много лучше просто плагиата. Да, стопроцентный шедевр, которым мне не стыдно будет пытать своих детей за непослушание когда-нибудь в будущем, всего один, зато какой! "The Pallbearer Walks Alone" - тот случай, когда звёзды сошлись идеально, а вокал, мелодии, оркестровки, блэксаббатовский грувище и даже текст, куда более пафосный, нежели преимущественно глубоко личная лирика в других произведениях, встретились в идеальной комбинации. Да и сама композиция сильно выделяется своей эпичностью, не выходящей, впрочем, за рамки здравого смысла. В любом случае, релиз оставляет после себя эмоции преимущественно положительные. И ни одну песню отправить в корзину я бы не решился - это совсем не тот случай, когда после нескольких затравочных хитов идёт сплошной проходняк, скорее уж сама затравка не слишком удалась. Хочется-то второго "Имаджинариума" - я не спорю, но тут сказывается и занятость Яни в других проектах, и то, что Анетт в целом не то чтобы ярая поклонница этих наших металлов. А так-то, по-хорошему, пока одни отцы (Helloween) колесили в суперностальгичном туре, другие (Blind Guardian) впадали в старчески-симфонический маразм, а с бывшей командой Лииматайнена и вовсе творятся жуткие вещи, следовало бы закрепить раздел пауэр-сцены с бандами вроде Sabaton/Beast In Black/Battle Beast по принципу "вам любители историчности и танков - нам хикканы, фанатеющие от фэнтезийных RPG" и окучивать потихоньку ещё и почти осиротевшую симфо-металл-аудиторию. Но, увы, момент может оказаться бесповоротно утерянным.

Jotun  14 май 2020

В те времена, когда наши излишне ЭМОциональные ровесники проживали, как впоследствии оказалось, наиболее ностальгичный год своей жизни, в Соединённом Королевстве сформировалось девичье трио, сходу сделавшее заявку на одно из лучших названий групп в новейшей истории. Поначалу в своей стилистике британки ориентировались на так называемую "фрик-кабаре"-сцену и на главных столпов её женской половины: Аманду Палмер и Джилл Трейси. Их первые работы были далеко не настолько угарными, как можно было бы ожидать от банды, откликающейся на имя "Птицасъеларебёнка", но по меньшей мере задорными, с достаточным градусом адекватного цинизма.

Но чем дальше в лес - тем здоровее пернатые. На последующих работах коллектива настроение становилось всё более мрачным; воображение рисует уже не стаю ворон, атаковавших младенца в коляске, а булгаковскую армию гигантских страусов (да-да, там ещё были крокодилы с анакондами), громящих красноармейцев. В итоге Birdeatsbaby затянуло в воронку чего-то масштабного, прогрессивного и оркестрового, а временами ещё и звучащего с совершенно металлической агрессией, чему способствует единственный мужчина, принятый на борт - гитарист и басист Гэрри Митчелл.

"The World Conspires" берёт пару минут на раскачку, а затем бьет по башке пыльным мешком с надписью "Painkiller". Пульсирующая, словно живой организм, она обрушивает на слушателя новые и новые волны агрессии, сменяющиеся с каждым разом всё более короткими периодами относительного спокойствия. Виолончель рычит так, словно Apocalyptica, очнувшись после многолетнего летаргического сна, решила зарубиться с прежней отдачей, не маскируясь под стандартный альтернативный электрогитарный саунд, а в конце песни рычать начинает уже и вокалистка, девушка с милейшим именем "Мишкин". Тот самый момент, когда решил переключиться на музыку помягче... и очень сильно промахнулся.

Однако в дальнейшем релиз перетекает в более спокойное русло, однако и сравнительно более изломанное. Та самая прогрессивность начинает брать верх, и композиции внезапно перенимают структуру и мелодику у позднего Ника Кейва, Lunatic Soul и Karnivool даже; "The World Conspires", смени в ней вокальные линии на более подходящие для Каваны, вписалась бы на "A Natural Disaster" Anathema. Определённое влияние Аманды Палмер тоже сохраняется, но-первых, старушку Палмер тоже после The Dresden Dolls потянуло на нечто прогрессивно-навороченное, во-вторых, сходства всё же более касаются манеры подачи лирики и искусства рассказать историю. Абсолютный топ альбома - это связка лиричной и спокойной "Lady Grey", "How Do I", вообще сводящей рок-инструменталы к минимуму, и "Box of Razorblades", одной из лучших песен о "токсичных" отношениях в истории. Примерно в этот момент появляется мысль "а какого, собственно, дьявола эта музыка настолько непопулярна"? Да, даже по меркам модернового прогрессивного рока.

Но альбом-то отнюдь не заканчивается. Чем больше композиций нанизывается на его стержень, и чем более надрывными они становятся (привет, "Dido's Lament"), тем очевиднее тот факт, что Birdeatsbaby вполне комфортно в своём маленьком пугающем, причудливо искажённом тимбёртоновском мирке, где они могут творить всё, что душе заблагорассудится. Песни вроде "Kill No One" - это вообще, по-моему, попытка наказать того, кому здесь хоть что-то понравилось. "Может, передумаешь, сопляк? Струсил, небось? Вали лучше отсюла, пойди Тул с Опетом слушать". Что ж, лично я - останусь. Люблю, знаете ли, музыку с Нервом и надрывом.

Jotun  14 май 2020

Кратенько о том, что меня высадило буквально сразу – звучании. Выведенные вперёд ударные и общая приглушённость звука прямо намекали, что для оценивания материала придётся приложить чуть больше усилий, чем прежде. После нескольких подряд хорошо сведённых альбомов слушать “Verminous” было непривычно, если не сказать некомфортно. Единственный, кто выиграл от этого – басист, его теперь слышно всегда.

Ситуация же с материалом в целом вторит сказанному выше: “Зелёный альбом” и тут выглядит шагом назад, но это хотя бы было ожидаемо. Ожидаемо потому, что я уже после “Abysmal” сомневался, что группе будет под силу повторить его успех, но “Nightbringers” справился с этой задачей блестяще. Случись такое третий раз подряд - и TBDM заслужили бы стоячих получасовых оваций.

Потеря красноречивости того, что я называю “плясовыми риффами” – первое, что бросилось в глаза после первого прослушивания. Если кто не понял, что это за звери такие, то примеры подобных риффов можно услышать на “Eyes of Thousand”, “Threat Level №3”, “Matriarch” и “Kings of the Nightworld”. Отдуваться на этом поприще были вызваны “Godlessly” и “How Very Dead”, но первая, начавшись каким-то робким закосом под “Matriarch”, им же и продолжилась, а вторая непозволительно часто разменивает свой “весёлый” потенциал на флегматичные размышления. Неплохие песни… если закрыть глаза на прошлые успехи. Вообще, флегматичная мелодика в принципе тут явление частое и, по большей части, губительное. Если раньше группу можно было обвинить в чём угодно, но только не в недостатке энергетики и рвения (которые чаще просто имели слабое выражение в художественном плане), то тут она выглядит то ли изнурённой, то ли просто задолбавшейся. Положительный результат от такого я вижу только один - весьма интересное выражение флегмы в соло-партиях (“Child of Night”, “Removal of the Oaken Stake” - заслушаешься), а вот риффы такого настроя альбом “сажают”.

Как часто бывало у американцев в “доабисмаловские” времена, на “Verminous” есть песня, которая стоит выше своих товарок и выглядит так, как будто музыканты только ради неё альбом и затевали. “Sunless Empire” обращает на себя внимание не столько своей многословностью, сколь именно скрупулезной работай с нею. Композиция хорошо показывает, что за три года гитаристы не до конца растеряли умение работать с объёмными полотнами и ещё способны поступательно раскрывать всё новые оттенки композиции, делая в риффах упор не только на привычную технику, но и на яркость, запоминаемость. Да, кульминации не предусмотрено, но требовать подобное от TBDM – уже наглость. Немного озадачивает только её расположение на альбоме, так как раньше подобные вещи чаще венчали их полноформаты, а здесь она аккурат посередине. Видимо, вялую “Dawn of Rats” парни считают более достойной этой роли. Если не “Sunless Empire”, то та же “The Wereworm’s Feast” явно бы закрыла альбом куда эффектнее.

На “Verminous” американцы вернулись в те времена, когда они были известны специфическим умением совмещать в себе высокий уровень техники с ограниченностью фантазии, а появление высококлассных боевиков у них выглядело чуть ли не случайностью. Выйди сабж после “Everblack”, то и вопросов бы не было, но на фоне “Abysmal” и “Nightbringers” “Verminous” выглядит весьма потрёпанно.

MAX DE SADE  13 май 2020

Итак, суровые факты.

Первое. Possessed - легенды. Вот хоть ты тресни. И многие ведь трещат! Но факта, что именно у этой банды вышел первый в истории официально изданный альбом с полноценным гроулингом в качестве вокала, ничто не отменит. И спор "Possessed или Death" собственно сам Чак Шульдинер давно решил в пользу первых.

Второе. Ничего исторически значимого после "Seven Churches" эти мужики не записали. Никакого развития идей последующие лонгплей и мини-альбом не показали; уж скорее там был откат к более форматному трэшу с чистеньким звуком и мелодичными соло. Уже в 1987-м активность группы начала затухать, и - это уже предположение, если что - вполне возможно, из-за того, что большинство участников группы уже не видели в ней потенциала.

Третье. Возрождение банды - чистой воды зарабатывание на громком имени, учитывая отсутствие новых студийных работ между 2007-м (год рестарта) и 2019-м. Оно не было поддержано кем-либо из имевших отношение к классическим записям Possessed, кроме вокалиста Джеффа Бесерры.

Четвёртое и самое печальное. Не то чтобы у Джеффа был другой выбор. После разбойного нападения, случившегося ещё в 1989-м, он остаётся прикованным к инвалидной коляске. Можете себе представить разнообразие способов заработка на жизнь у калеки, как и то, насколько роскошно он может жить на пособие, особенно в старости, которая, увы, уже не за горами. И, в принципе, то, что он ещё может хоть как-то петь и что-то новое творить - уже подвиг с его стороны. В конце концов, в дэте и трэше хватает вокалистов, звучащих куда менее грозно и убедительно (из недавнего вот Memoriam вспоминается), но я очень сомневаюсь, что у каждого из них пуля засела в позвоночнике.

При всём этом в плане качества непосредственно музыки "Revelations of Oblivion" отнюдь не в числе "отстающих". Это ни в коем случае не бестолковая прямолинейная долба, не какая-нибудь попытка перерисовать "Семь Церквей" на свой вкус. Это почти максимально разнообразный, с точки зрения узких рамок жанра, трэш-дэт с весьма замысловатой ритмикой и набором замогильно мрачных, но очаровательных мелодий. Более того, релиз даже не притворяется, будто с 1985-го года в экстремальном металле ничего не придумали; в "Omen" и "Ritual" даже встречаются отрезки с бензопильными тремоло под бластбит.

Конечно, создатели "Revelations of Oblivion" несколько переоценили свои возможности в плане насыщения материала и замашек на внушительный хронометраж. В конечном итоге многовато становится сумбура, да и дослушать альбом до конца с первого захода достаточно сложно. Ну и понятно, что по нынешним меркам этот материал всё равно звучит архаично; в исторической памяти он мог бы закрепиться, разве что обойдя по дате выхода "Altars of Madness". Тем не менее я не вижу весомых причин, по которым любители олдскула могли бы просто проигнорировать данную запись.

Jotun  13 май 2020

Семнадцатый по счёту студийный релиз от Annihilator оказался одним из самых нетипичных альбомов уважаемого канадского бренда. Никаких стилистических экспериментов разной степени сомнительности, самое стандартное "меню" инструментов, отсутствие перекосов в сторону что техничности, что брутальности, скорости или мелодичности. Ни баллад, ни пауэр-баллад, ни эпичных композиций с хронометражем за рамками хотя бы шести минут, ни инструменталов. Шутливым песням или бодрящим каверам места также не нашлось. Просто 45 минут современно звучащего, но преимущественно олдскульного по духу и наполнению трэшака - если задуматься, достаточно редкое явление в портфолио Джеффа Уотерса и его постоянно меняющихся компаньонов. По-хорошему, именно на этом диске должен был бы красоваться тайтл "Metal".

Следует отметить прекрасную физическую и исполнительскую форму Уотерса: он и выглядит мощно (сравните с мужиками из Металлики, которые - страшно подумать - всего-то на два-три года старше), и поёт лучше, чем на двух предшествующих альбомах, а уж риффы и соло ввинчивает просто отменно; сочно, подтверждая реноме одного из наиболее техничных и чистых в плане звукоизвлечения гитаристов в жанре. Беда в том, что на одной только технике далеко не уедешь, и вот в плане общего качества материала "Ballistic, Sadistic"... нормальный. Отнюдь не лажа, которой привыкли считать поздний "Аннигилятор" скептики, но... Выпади мне честь составлять ультимативную подборку творчества этой группы для какой-нибудь компиляции или концерта формата "best of" - ни единой песни отсюда бы не взял. Вот в случае с тем же "For the Demented..." уж как минимум над кандидатурами "Pieces of You" и "Altering the Altar" призадумался, а здесь даже топовая по местным меркам мясорубка "I Am Warfare" не вызывает острого желания искать ближайшую точку Земли, где - надеемся, когда-нибудь, учитывая сложившиеся обстоятельства - состоится концерт Annihilator. Да, это тот случай, когда по факту претензию можно предъявить только опусу "Lip Service", совсем уж нагло сдирающему идеи у давнего хита "Knight Jumps Queen". Остальное просто, чёрт возьми, не цепляет. Но не цепляет, видимо, далеко не только одного меня, учитывая крайне сдержанный приём альбома. А уж в плане конкуренции с новичками от Sepultura и Testament "Ballistic, Sadistic" совершенно точно ничего хорошего не светит.

Jotun  13 май 2020

"Музыка шведской природы", - скажут романтики. "Музыка из шведской кухни", - ответят циники. На самом деле, абсолютно неважно, где там пишет свою музыку стоящий за проектом Lustre человек с псевдонимом "Нахтцайт": на кухне ли, в гостиной, в спальне, в ванной, как Куортон, или в подвале. Да, это подчёркнуто "бюджетный" материал, далёкий от любой качественной студийной обработки. В основе его - эмбиент, лаконичные арпеджио на полдюжины, а то и меньше, нот, звучащие так, словно сыграны они на дешёвом синтезаторе, уцелевшем ещё с первой половины восьмидесятых годов. Впрочем, кто сказал, что такая музыка не может быть очаровательной? У нас как раз подоспело очередное опровержение! Мелодии, по крайней мере в первой половине альбома, очень нежны и красивы, композиции не затянуты сверх меры, а помимо ведущей темы наверняка появится ещё одна партия клавишных, оттеняющая или обыгрывающая основной мотив. Во второй половине релиза Нахтцайт явно начинает повторяться, но даже здесь "The Ashes of Light" вовсе не теряет привлекательности и свежести.

Когда-то Lustre позиционировался в качестве атмосферик-блэк/эмбиента, сейчас акценты более явно сдвинуты в сторону последнего, но окончательно связи с "чёрной" сценой Нахтцайт не обрывает! А зря. То, что здесь постоянно проступают фоновые несмелые ударные партии и некий размытый шум, призванный, видимо, обозначить присутствие гитары - это ещё не проблема. Вот присутвие скрима во всех нечётных треках - уже беда. Пускай даже он основательно "притоплен" в плане громкости, это не спасает. Ведь мне ни разу ещё не попадалась музыка, которая настолько не вязалась бы с экстремальным вокалом. Тут бы даже девичье ангельское мурлыкание наверняка ощущалось чужеродно, а уж эти хрипы... И ведь портит, категорически портит швед собственные же, прекрасные в своей наивности, пейзажи! За что мы его пожурим, конечно, но не слишком активно. В конце концов, у Нахтцайта хотя бы есть представление о гармонии в подобной музыке, и о способах её развития - в отличие от того же Варга Викернеса, слушать внеблэковые записи которого порою категорически невозможно.

Jotun  12 май 2020

История Bring Me the Horizon - настоящий литературный/кинематографический сюжет. В стиле "хоррор". Ещё точнее: хоррор с неким чужеродным паразитом, вселяющимся в тело и постепенно захватывающим над ним контроль. "Залив" смотрели?

В роли "паразита" - Джордан Фиш. Вокалист, клавишник и композитор. Его пути с группой впервые пересекались ещё в 2010-м году, однако во время записи третьего студийника BMtH с безобразно длинным названием за большую часть оркестровок/синтезаторов отвечал один из тогдашних гитаристов, Джона Вайнхофен. В 2012-м, задумав сделать свой новый релиз чуть более "электронным" по духу, банда сделала роковой для себя шаг, взяв Джордана на борт своего корабля.

Сначала оказалось, что Фиш является обладателем весьма приличных рок- и поп-вокалов, умеет весьма сочно "расщеплять", а по тембру голоса ещё и несколько похож на Олли Сайкса, фронтмена группы, то ли радикально повредившего свои связки за годы беспорядочного надрывного ора, то ли в принципе петь никогда не умевшего. На концертах именно клавишник "вытягивает" все самые сложные партии, да и в студии оправданность приставки "бэк-" к его статусу вокалиста вызывает всё больше сомнений. Затем стало очевидно, что Джордан умеет сочинять отлично продающиеся коммерческие хиты. На "Amo" мы пришли к моменту, где он, фактически, заменяет всю группу, сведя к минимуму "живой" инструментал и нуждаясь разве что в Сайксе, и то ради узнаваемой внешности, а не исполнительских качеств. Если Фиш сделает себе пластическую операцию и набьёт побольше партаков на теле, остальных участников можно смело гнать на щадяще мягкий британский мороз.

Кстати, в "синтетичности" звучания последнего альбома британцев заключается его неожиданный первый плюс. На том же "That's the Spirit" общий микс местами был просто провальным, на передний план беспорядочно выскакивали то ритм-секция, то электроника, то гитара с вокалом, да и вообще цельности в саунде не было никакой. Здесь же всё весьма монолитно, объёмно, да и мелодических линий заключено побольше.

Конечно, для поклонников группы со стажем это чаще всего всё-таки кошмар. "Amo" - это уже совершенно точно никоим образом не "-кор", да и уже даже не РокЪ. Собственно, Джордан в интервью и сказал прямо, что по его мнению, рокером сейчас быть чуть ли не стыдно. Что ж, тем больнее будет ползти назад к корням, если вся эта затея провалится. Но пока продажи билетов и онлайн-просмотры свидетельствуют об обратном. Ну а почему бы нет? Вот "Меdicine" - апгрейд старого доброго бритпопа с универсальной и близкой многим лирикой про слишком назойливых людей, да и скрытая отповедь занудным критикам заодно. Вот танцевальная "Nihilist Blues" - мелодичный евротранс с капелькой брейкбита. "In the Dark" уже близится к ультрамодному трэпу, очень много здесь и электропопа с вершиной в качестве абсолютно "стадионной" по своей энергетике "Mother Tongue". Сравнительно слабейшими номерами на пластинке получились как раз наиболее "гитарные" "Mantra" и "Wonderful Life", но и они тащат, за счет прилипчивых риффов и припевов. К тому же, "Mantra" напоминает мне о горячо любимых The Hardkiss, a "Wonderful Life" припечатывает абсолютно KoЯn'овским грувом.

Вообще, "Amo" - это практически идеальный поп-альбом. Он разнообразен, даже эклектичен. В нём нет одинаковых песен, и почти каждую можно брать в качестве готового хита для раскрутки. Выпадают разве что три интерлюдии (да и то над "Ouch!" я бы призадумался) и "I Don't Know What to Say", реализованная именно в качестве эпилога для чего-то масштабного. Но и без того - девять потенциальных синглов на тринадцать позиций! Жаль только, потенциал приглашенных гостей при записи был реализован процентов эдак на десять. Граймс в третьем треке хотя бы слышно, Дэни Филта в пятом - уже не очень. Кого-то там где-то там ещё... да кто такой этот Rahzel и зачем он нужен? Я вот не понял.

В общем, вот вам хороший пример, какими должны быть коммерческие альбомы продавшихся рокеров. Не нерешительное топтание In Flames, цепляющихся за остатки старых музыкальных форм, не держащееся на бесконечных сингэлонгах из одного звука посмешище 30 Seconds to Mars, и, упаси боже, не "One More Light". Отличный жизнеутверждающий поп для мальчишек и девчонок всех возрастов. Хоррор оказался с хэппи-эндом, хотя и далеко не для всех.

Jotun  12 май 2020

Погружение в дебри андеграунда сродни поисками неведомого ониксового замка Кадат, где несчастный сновидец рискует сойти с ума от мелодий и ритмов флейтистов и барабанщиков, что окружают безумного султана демонов Азатота, потерять рассудок и никогда не вернуться в наш мир, оставшись навечно в космической пустоте между мирами... Вот такие мысли, навеянные творчеством всенародно любимого товарища Говарда Филипса Лавкрафта, зародились в моей голове при прослушивании “The Scarlet Tapestry” авторства соотечественников известного новоанглийского затворника Thorns Of The Carrion. Кто бы мог подумать, что кучка парней и одна барышня из Огайо (читай – из глубокой жопы американского Среднего Запада), окажутся способны отправить слушателей в увлекательное путешествие по потусторонним мирам и звуковым ландшафтам на основе такого традиционного стиля, как дэт-дум с готикой? Thorns Of The Carrion неторопливо разворачивают свой “Пурпурный гобелен”, рассказывая нам мистические истории о любви, смерти, скорби и отчаянии. Тут правит бал угрюмое отчуждение и желание замкнуться в себе и никого никогда больше не видеть. Мелодии красивы и меланхоличны и воспроизводятся на клавишных и флейте. Ближайшая аналогия – такой подзабытый бриллиант подобной музыки, как Estatic Fear. Они тоже, как и герои нашего повествования, выпустили два полновесных альбома, причём первый вышел в тот же год, что и “The Scarlet Tapestry”, и тоже замолчали навсегда. Но, в отличие от австрийцев, у Thorns Of The Carrion заметно хуже качество записи. Под потоками флейты, клавишных, которые иногда в своей мелодической холодности, отстранённости и медитативной созерцательности уместно смотрелись бы на первых двух дисках норвежцев Limbonic Art, и разнообразных вариаций мужских вокалов (тут вам утробный и гроул, и скрим, и стенающий чистый вокал, хоть он и не нужен в виду исключительной невыразительности) практически похоронены все остальные инструменты. Но даже совсем неидеальная запись никак не мешает получению огромного удовольствия от прослушивания этого незаслуженно преданного забвению и погребённого под песками времени самородка.

rassol  12 май 2020

Так уж вышло, что с этой дебютной работой Д. Ковердэйла я пересёкся значительно позже, чем с альбомами его гр. Whitesnake их лучшего, как мне представляется, творческого периода 70 - 80-х годов. И хорошо, что получилось именно так, иначе не избежать бы и мне того горестного разочарования, которое пережило подавляющее большинство поклонников Deep Purple и Дэвида Ковердэйла в частности, кому суждено было прослушать эту пластинку вскоре после её релиза. Ибо по отзывам из разных источников следует, что относительно позитивно этот лонг-плей брутального вокалиста распавшихся DP приняли лишь истинные ценители группы, для которых любой творческий выхлоп от кого бы то ни было из бывших участников этого легендарного квинтета являлся событием вселенского масштаба.

И это разочарование легко объяснялось. Народ в большинстве своём ожидал (скорее надеялся) услышать некоего продолжения и, возможно, даже развития "пёрпловского" мелодического направления, как это произошло в случае с Rainbow Ричи Блэкмора годом ранее. Однако Ковердэйл пошёл иным путём. Какое-то время спустя Дэвид объяснял это так: "Оценивая эту пластинку, я могу сказать, что у неё не было какой-то стержневой идеи. Я находился в некотором промежуточном состоянии между Deep Purple и чем-то новым, к которому я ещё не знал даже как подступиться".

Существует несколько версий исхода Д. Ковердэйла из DP. По одной из них Дэвид, что называется, с лёгким сердцем оставил группу ввиду того, что его, как ведущего вокалиста, совсем не устраивала та подача музыкального материала, что DP осуществляли на концертных площадках, когда ему, как он полагал, приходилось больше истошно кричать в микрофон, чем действительно петь. Иначе говоря - у Ковердэйла были вопросы к репертуару группы. Да и сложившаяся тогда ситуация, когда в одном составе присутствовали сразу три поющих музыканта, каждый из которых претендовал на свою долю, не вызывала у Дэвида большого оптимизма на светлое будущее.

Согласно обратной версии Ковердэйл оставался едва ли ни единственным, кто всячески пытался сдержать процесс распада команды. И что участие в DP было на тот момент всем смыслом его жизни. Как обстояло всё на самом деле знает, должно быть, лишь он один.

Первыми тонущий корабль тогда покинули ветераны Дж. Лорд и Ян Пейс. Вдвоём они затевали новый проект, к которому пытались подтянуть и Ковердэйла, на что тот ответил отказом. Предложения к столь авторитетному вокалисту и яркому фронтмену поступали и от многих других, в том числе и от статусных коллективов (Uriah Heep, к примеру), однако он достаточно быстро определился с собственным будущим. Здесь имел место ещё и такой тонкий нюанс - согласно прошлым договорным обязательствам ещё в течении двух ближайших лет Ковердэйл не имел возможности влиться в какой-либо состав, кроме как... правильно, в состав Deep Purple. Ему тогда только и оставалось, что строить собственную карьеру. Или реформировать прежнюю команду. Потому уже вскоре после официального объявления о роспуске DP (июль 1976 г.) при участии Роджера Гловера Дэвид начал подбирать сейшн-музыкантов для студийной работы над первым своим сольным диском.

В основе своей это были люди бывалые и достаточно известные, по большей части тяготеющие к музыке блюзовой и даже джазовой. Основным гитаристом был приглашён Micky Moody (экс-Juicy Lucy), последнее время много с кем гастролировавший. Пианист Tim Hinkley, известный по работе с такими мастерами, как гр. Humble Pie, а так же Al Stewart, Steve Marriott, Alvin Lee, Johnny Hollyday. Барабанщик Simon Phillips в свои 20 лет уже успел набраться опыта сейшнмена у целого ряда таких знаменитостей, как Jeff Beck, Gary Moore, Frank Zappa, Gil Evans, Stanley Clarke. Бас-гитарист Delisle Harper прошёл добротную школу в гр. Stealers Wheel. Ну и, наконец, женское вокальное трио Angels Of Mercy, оно внесло свою посильную лепту в освоении стилистических форматов, которые Ковердэйл пытался апробировать исходя из собственных музыкальных предпочтений.

Из этих же соображений формировался и репертуар для программы альбома. С несколькими собственными заготовками Д. Ковердэйл пришёл в лондонскую студию Kingsway Records в начале августа 1976 года. Часть композиций он наработал совместными усилиями с Мики Муди в ходе двух студийных сессий. Завершающий сбор проводился уже в мюнхенской Musicland, ставшей настоящей звукозаписывающей Меккой для англичан с середины 70-х годов. Арендная плата за студийное время в Зап. Германии была на порядок меньше, чем в их родном Лондоне.

Кстати, тогда же Д. Ковердэйла, совсем ещё молодого человека (Дэвиду было лишь 24 года), постигла ещё одна потеря (или избавление) - распался его первый брак, не продержавшийся и трёх лет. Возможно, и это в какой-то степени отразилось на характере программы его пластинки.

Свою композицию "Blindman" Дэвид предположительно готовил ещё для альбома DP "Come Taste The Band", однако тогда что-то не сложилось. Вероятно, ещё и по этой причине он с особым чувством исполнил свою партию в этой блюзовой балладе. Что примечательно, по ходу звучания этого номера вокал Ковердэйла набирает силу, становясь всё тревожней и напряжённей, перерастая в трагическое крещендо на самом финише. "Я мечтал о прошедшем. Почему хорошие времена не длятся вечно? Помоги мне, Иисус, покажи верный путь, без этого мне не продержаться и двух дней..." В сочетании с пронзительным бэк-вокалом под аккомпанемент акустических клавишных Тима Хинкли и цепкой, хотя и ненавязчивой гитары Мики Муди, это действительно впечатляет. Несомненно - это программная композиция всего альбома, вокруг которой выстраиваются все прочие номера разной степени достоинства. Стоит напомнить, что "Blindman" в своё время возьмёт на вооружение и гр. Whitesnake, записав её на своём LP 1980-го года "Ready An' Willing".

Замечу, что в целом вокал Ковердэйла в этой его работе на удивление "взрослый". И дело не только в солидном бархатном тембре его голоса. Непросто сжиться с мыслью, что в столь молодом (ещё раз повторюсь) возрасте этот солист обладал настолько зрелым поставленным голосом с обширной гаммой чувственных интонаций, свойственным утончённой артистической натуре с немалым сценическим опытом. Из чего следует простое и естественное заключение - вся программа пластинки была задумана и подобрана таким образом, чтобы все грани незаурядных вокальных возможностей Дэвида проявились в полной мере. То, что ему не дано было показать в составе Deep Purple. А посредством только буйного рок-н-ролла или грубого хард-рока, чего по всей видимости и ожидали в массе своей горячие поклонники DP от этой пластинки, достичь подобного было невозможно. Отсюда и флегматичные блюзовые темы, и даже соул и джазовые мотивы.

"Goldie's Place" как раз-таки и есть подобная блюз-джазовая комбинация с объёмной духовой секцией, а экзальтированный вокал Дэвида невероятно раскрепощён, вариативен, с обилием намеренно "смятых", "недокрученных" концовок отдельных фраз. И всё это на фоне ядрёного бэк-вокала и умеренного инструментала, подчёркивающим своим ненавязчивым звучанием вокальную эквилибристику. Отмечу довольно-таки актуальную для песенной лирики Дэвида Ковердэйла тему женской продажной любви: "Позолоченное место - это там, где ты можешь исполнить свои желания. Стоит только хорошо заплатить. Если ты к этому готов - следуй за мной и сделай со мной всё, что хочешь..."

Вместе с Р. Гловером Ковердэйл почти идеально рассредоточил треки программы, чередуя меланхоличные композиции с относительно энергичными. "White Snake" одна из таких энергичных. Наступательный рок-н-ролл с ведущими эл. клавишными Т. Хинкли и ударной ритм-секцией. Что-то похожее на bridge (мост) в средней части номера с отмодулированным голосом Дэвида и сольной партией Мики Муди. В этой песне Ковердэйл напомнил себя самого времён DP, чем несомненно отчасти согрел безутешные сердца своих фанатов. "У меня белая змея, мама. Ты хотела бы стряхнуть её с меня. Но это так приятно, мама, когда она ползёт по мне..." Ещё один пример темы сексуальных отношений в поэзии Д. Ковердэйла.

Очередное напоминание о недавних временах, касаемых DP, невозможно не заметить в композиции "Time On My Side" с эксцентричным вокалом Дэвида, фрагменты которого внимательному слушателю навеют мелодическую тему из "Lady Luck" (всё тот же "Come Taste The Band"). "Время на моей стороне, обопрись на моё плечо. Я обязательно стану мудрее, стоит мне лишь чуть постареть..."

Умеренный рок-н-ролл со сдержанным вокалом в "Sunny Days", где Д. Ковердэйл не напрягает излишней экзальтацией ни себя, ни слушателя. Очень дозированно участвует духовая секция и совсем скромна сольная партия гитары. Ничто не может отвлекать от главного - от приглушённого пения, всё внимания должно быть приковано к нему. "Заберите меня обратно в солнечные дни, я останусь до конца лета. Оставьте меня с друзьями, ведь я так много потерял, пока преодолевал многие мили..."

Сумбурно-карнавальная мелодия "Celebration" заметно диссонирует с неожиданно суровым содержанием текста: "Я связался с теми, кого, казалось, хорошо знал. Но оказалось, что я ошибался. И им было наплевать, что кое-чем были мне обязаны. Но вот с недавних пор я, похоже, стал другим человеком. И теперь хочу поделиться о своём прошлом..." Впрочем, если абстрагироваться от характера слов этой песни, то развязно-беспечная манера её исполнения вполне укладывается в русло мелодической схемы в духе Карлоса Сантаны с его типичными жизнерадостными тональностями, где много перкуссии, отчаянного бэк-вокала, энергичных всплесков духовой секции, всего тего, что создаёт жаркую атмосферу праздничного мероприятия.

Эта композиция ощутимо выбивается из контекста программы альбома, но для позитивного её завершения это, пожалуй, лучшее, что можно было придумать. В данном случае празднование - это своего рода очищение. Символично.

Несколько вещей из программы этого LP оставляю вне обзора. Но это вовсе не значит, что они этого не заслуживают, или хуже того - музыкальный мусор. Все они звенья единой цепи, хотя не делают эту работу Д. Ковердэйла и не лучше, и не хуже.

В продажу пластинка "White Snake" вышла лишь в феврале 1977 года, а уже в марте, не дожидаясь предварительных итогов по её реализации и в целом не имея представления, какова реакция музыкальной общественности на сам факт её появления, Ковердэйл приступил к студийной работе над следующим своим авторским диском.
Что могло означать лишь одно - этот музыкант обладал чёткой программой действий и никакие привходящие факторы, какими бы они ни были, его не смущали. Как покажет время - он всё делал правильно.

МихаилБогданов  12 май 2020

"Lunar Falls" - альбом, составленный весьма органично. Две небольших интерлюдии, сотканные из пост-роковых и этереал-элементов. Четыре композиции, более или менее близкие к традиционному созерцательному неофолку, и ещё четыре, в той или иной степени завязанные на атмосферно-блэковых пассажах и мелодичном думе. Хоть Suldusk и заявлены в качестве one-woman-бэнда, Эмили Хайленд, скрывающейся под данным псевдонимом, с записью и сведением помогала внушительная толпа народа. Поэтому саунд у "Lunar Falls" отнюдь не "колхозный", а очень даже пышный и нарядный, сыграно и спето всё, быть может, даже слишком чисто и аккуратно, если оценивать по меркам неофолка в качестве основного жанра.

"Ну вот идеи и образ Myrkur да Челси Вулф добрались до Австралии", - естественно, первая же мысль, приходящая в голову. Отдам Эмили должное: она и поёт красиво, и скримит совершенно неистово, по всем канонам. Но! Учитывая, насколько красивыми и гармоничными получились именно умиротворённые песни вроде "The Elm" и "Three Rivers", возникает вопрос: а стоило ли здесь вообще проявлять демоническую сторону своей натуры, затевать игру с дисторшеном и источать голосом чёрную желчь? Впрочем, как в мелодиях, так и в лирике в целом просматривались определённые общие мотивы и образы, заставившие заподозрить, что идея "Lunar Falls" куда глубже просто попытки разнообразить весьма ортодоксальный стиль сомнительным с точки перспективности музыкальным поветрием.

Свой дебютный альбом Эмили, как оказалось, посвятила трагически ушедшей из жизни вокалистке Алии Стэнбридж, наиболее известной по готик-думовому проекту Trees of Eternity. Это моментально обосновало и необходимость наличия на "Lunar Falls" образов, воплощающих разрушение прекрасного, и присутвие фигуры Мрачного Жнеца... и смутную знакомость отдельных мелодий. Так, например, всё та же "The Elm" оказалась своеобразной адаптацией "Sinking Ships" от "Деревьев Вечности".

Здесь снимаю шляпу: альбом не тычет вам в лицо вот этим вот "смотрите, как я скорблю! Что, не проняло тебя, скотина? Бездушный сноб!" Никакой манипулятивности; внимательный слушатель, даже не зная подоплёки, может самостоятельно отыскать все нужные смыслы и узнать о скрытых эмоциональных глубинах записи. С другой стороны, мне стало безумно интересно: а зазвучит ли Suldusk так же потрясающе без опоры на чужое творчество? Так что с восторгами, пожалуй, следует повременить хотя бы до следующего альбома.

Jotun  11 май 2020

Самый бессмысленный камбэк 2019- го года: ожидание - Possessed, реальность - Exhorder.

Для тех, кто не в теме: Exhorder - это банда новоорлеанских алкашей, рубивших лютый угарный металлище в начале девяностых, которых всё чаще записывают в отцы всего грув-металл-движения. Дескать, даже Pantera украли все самые сочные наработки у наших героев. Тут нужно сказать, что дебютник наших героев, "Slaughter in the Vatican", вышел всё же месяцем позже "Ковбоев из Ада", к тому же представлял собою всё-таки чистейший трэш, предельно скоростной по большей части, в духе Morbid Saint или ранних Sacred Reich. (Мне вообще кажется, что сочность сдвоенной бас-бочки и рабочего барабана на той записи превосходят всё слышанное в рамках жанра.) Однако строили гитары Exhorder всё-таки пониже, гейна накручивали побольше, оттого и саунд у них был очень жирным для того времени, а среднетемповые отрезки в песнях действительно стимулировали качать башкой поактивнее, пускай реально изобретательной работой над ритмом и синкопированием "Slaughter in the Vatican" не отличался. Второй релиз группы, "The Law", долгие 27 лет остававшийся также и последним, уже действительно демонстрировал проработку ритмики тех самых грувовых кусков - собственно, со структурами композиций луизианцы в тот раз даже перемудрили; возможно, потому и сам альбом прорывным не получился, в отличие от выпущенного чуть ли не в том же месяце "Vulgar Display of Power", определившего окончательно каноничное звучание Pantera. Вопрос "отцовства" позволяет решить вокалист наших сегодняшних героев, Кайл Томас, заверяющий, что группы плотно тусили друг с другом и обменивались идеями во время уничтожения очередного ящика виски. Это был симбиоз, а не паразитирование; другое дело, что, по словам того же Кайла, Exhorder никогда не отличались целеустремлённостью своих "хищных" корешей, и в определённый момент во всем известной схеме "drugs" и "sex" для них окончательно затмили рок-н-ролл.

Но мы живём в странные времена, когда из могил выкапывают даже самые, казалось бы, надёжно забытые тайтлы. Реюнион и новый альбом Exhorder? Да пожалуйста! Вот только смысла в его существовании я не увидел. Вместо того, чтобы зарубиться с полной отдачей, дедушки всё ходят вокруг да около торбы с надписью "southern rock", но не решаются распаковать её нормально, лишь в заглавном трэке навалив-таки от души тяжелых, но блюзовых аккордов, буги-ритмов и протяжных тоскливых соляков, приправив акустикой и местами даже струнными-клавишными; ради пафоса, да, но пафос получился оправданным. Вторая по крутости песня на диске - хищная ядовитая "Ripping Flesh", про которую ходят слухи, будто по давности написания она вполне соответствует дебюту группы, третья - "Beware the Wolf". Всё прочее звучит не отвратительно, отнюдь, но настолько заурядно, как будто мужики писали большую часть материала, толком не приходя в сознание после очередной попойки. Среднестатистический трэш намешан с ещё менее качественным грувом. Структуры композиций примитивны, а при попытках их усложнить вылазят совершенно абсурдные, ни с чем ни связанные куски вроде бластбитов в "Hallowed Sound". Тексты про тяжкую долю, дрянную семью, бухло, проблемы с законом, "держи язык за зубами, приятель" и "я надеру твою жопу", вероятно, набросал в подарок сам Айван Муди из 5FDP за пару часов.

Мне кажется, у Exhorder в принципе не было возможности сказать что-либо свежее и привлекающее внимание в рамках жанра, который во время их отсутствия прямо или косвенно развивали такие мастодонты, как Fear Factory, Meshuggah, Machine Head, Chimaira, Lamb of God, Gojira и сотни актов рангом пониже. Возможных выходов, как по мне, было минимум два: либо откатиться к корням и рубануть напоследок сочной трэшатины, либо идти по заветам Down и под флагом Конфедерации пилить перегруженный южный рокешник - опыт заглавной песни "Mourn the Southern Skies" показывает, что у нынешних, за редкими исключениями, весьма "травоядных" представителей сцены они могли бы отбить своё место под солнцем.

Хотя очень может быть, что Exhorder самим по себе от жизни вообще ничего не нужно, кроме формального повода сгонять в тур. Зато Nuclear Blast смогли пополнить свой стремительно тухнущий в плане качества производимого музла ростер очередным ископаемым, на поверку оказавшимся не таким уж полезным.

Jotun  11 май 2020

Mekong Delta, детище Ральфа Хьюберта, всегда ассоциировались у меня со своеобразным пристанищем для ценителей германской тяжелой сцены, наравне с Holy Moses, например. Обе группы всегда вдавались в крайности и работали на контрасте с более известными коллегами, вроде тех же Helloween или Kreator - они были сложнее для восприятия и от того так и не стали популярны среди широкого круга слушателей.

Конкретно Mekong Delta, в отличие от Holy Moses, старались идти менее брутальным путем, делая большой акцент на влиянии классической музыки, благодаря чему еще на дебютном альбоме породили своеобразный поджанр, сочетая, казалось бы, невозможное. Однако, еще с альбома "Kaleidoscope" уклон в сторону Progressive становился всё более увесистым, а Thrash Metal составляющая начинала сходить на нет.

"Tales of a Future Past" многие фанаты группы ждали достаточно долго. Стоит сказать, что это не первый подобный случай в карьере Mekong Delta. "Lurking Fear", например, вышел лишь через 10 лет после выхода "Pictures at an Exhibition" (который, по сути, являлся проектом, а не самостоятельным альбомом). Лично я начал знакомство с группой как раз после прослушивания "Lurking Fear", и как в 2007-ом, так и сейчас считаю этот альбом вершиной творчества Ральфа Хьюберта. Но вот что альбомы ДО, что ПОСЛЕ - всё это казалось мне либо дорогой к "Lurking Fear", либо эксплуатацией его идей, но никак не воспринималось новым витком в развитии.

"Tales of a Future Past" не является исключением, и не привносит в развитие группы ровным счетом ничего. Безусловно, стиль и звучание аутентичны для Mekong Delta, и любой фанат, вроде меня, всё равно останется доволен. Но, как мне кажется, это не то, чем должны заниматься Progressive Metal команды. Группы в этом жанре просто обязаны экспериментировать, но Mekong Delta выпустили просто очередной альбом по шаблону. Их даже можно сравнить с современными Accept: все фанаты приняли и полюбили альбомы с Торнильо, но вряд ли найдут между ними отличия, так и я не вижу отличий между "Tales of a Future Past", "Wanderer on the Edge of Time" или "In a Mirror Darkly".

Скажу еще раз, альбом получился вполне приятным для узкого круга почитателей Mekong Delta, что были и продолжают оставаться с группой, несмотря на все паузы между альбомами. Я даже в принципе рад, что группа продолжает выпускать новую музыку и вполне вероятно, что я просто не понимаю истинных мотивов Ральфа Хьюберта, который и не думал развивать никаких идей, да и вообще занимается группой только для собственного удовлетворения. Но после перерыва в 6 лет лично я ждал чего-то большего, чем очередной крепкий альбом по шаблону.

Exceptional  10 май 2020

Что именно играют Xoth, лаконично не опишешь. Это техничный, мелодичный и психоделичный дэт с проглядывающими влияниями блэк-металла. Тем не менее музыка их для восприятия куда проще, чем можно было подумать, исходя из стилистического описания. Риффы вполне удобоваримы, зачастую зиждятся ещё на классических хэви-аккордах родом из восьмидесятых. Просматриваются отголоски Judas Priest, и Accept, и даже Guns n' Roses (взглянув на треклист, вы можете сами догадаться, в какой конкретно композиции). Всё это, впрочем, достаточным образом разогнано, утяжелено, укутано в шустрые и весьма сочные гитарные мелодии, немного "притопленные" в дилэе и ревёрбе для создания упомянутого психоделического эффекта. Цепляющие свойства у материала потрясающие, песня "Тhe Ghost Hand of God" - вообще готовый хитяра для любой "альтернативной" радиостанции. Ни одна композиция не затянута, не тонет в излишних инструментальных линиях. Вокальные партии исходят сразу от троих участников Xoth, и бодрят они отменно, к тому же, каждый исполнитель звучит в собственном ключе, обеспечивая "Interdimensional Invocations" самыми разнообразными сочетаниями харша, скрима и гроула. Естественно, какой-нибудь Трэвис Райан мог бы исполнить всё это и в одиночку, но тогда все местные пересечения вокальных линий остались бы трюкачеством звукорежиссёра, принципиально невоспроизводимым на живых выступлениях.

Можно заметить, что не поёт тут один лишь барабанщик, Джереми Сальво. Но у него есть оправдание: он очень занят, долбя бластбит напропалую. Есть тут, на сайте, такая характеристика для оценки как "очень хороший альбом, но чего-то не хватает". Так вот здесь этого "чего-то", наоборот, в явном, совершенно охренительном избытке. В любой непонятной ситуации стучи в темпе 600 ударов в минуту - это про нашего парня. Может, совместные гастроли с Marduk так повлияли? Конечно, бластбит тут звучит не 90 процентов времени, но и имеющиеся 35 - это уже слишком, безобразно много. И ведь портит, откровенно вредит Джереми отличному материалу, превращая выверенные, вкусные композиции в эдакую порнографию для фетишистов скоростного звука, своеобразный барабанный аналог другого Джереми - который Рон.

У Xoth может быть большое будущее на экстремальной сцене. Но не с такими партиями ударных. Решайте проблему, господа, любыми путями, вплоть до физического насилия, иначе так и загнётесь в статусе яркого локального феномена. А высокая оценка пока скорее по блату.

Jotun  10 май 2020

Лучший дэт-металлический альбом ушедшего года. Осмелюсь даже сказать: с отрывом. Во-первых, никакой богомерзкой "цифры" - только тёплый ламповый аналоговый звук. Во-вторых, сам материал. Он, безусловно, немножечко манипулятивный, ибо умудряется играть на ностальгических чувствах фанатов целого ряда классических групп жанра, но при этом демонстрирует незаурядную и отнюдь не вторичную композиторскую формулу. Конечно, уже одно название группы намекает, что чего-либо революционного от парней из Колорадо ждать не стоит, однако завернули они в обёртку "Hidden History of the Human Race" массу идей, в процессе сочетания которых легко скатиться в безобразную мешанину. И ведь не скатились! В основе большей части материала - вязкий дэт с угрюмым низким гроулом, эпизодическими бластбитами и весьма "болезненными" с точки зрения гармоний соло; всё как у Immolation или Morbid Angel на альбомах со Стивом Такером. Эта жесть весьма элегантно разбавлена мелодичными проигрышами и лёгкими, лаконичными фразами клавишных, в духе Nocturnus или Pestilence образца "Testimony of the Ancients". Следующий ход для внесения разнообразия - периодически выплёскивающиеся на поверхность риффовые рисунки в нестандартных размерностях, приправленные кислотно-психоделическими эффектами. Ровно до третьей композиции релиза, инструментала "Inner Paths (To Outer Space)" я раздумывал, с кем бы сопоставить данный эффект. Но в финале вышеупомянутого трека на арену вышел Антти Боман со своим фирменным ультранизким булькающим рыком (не несущим никакого текста; инструментал есть инструментал), и меня осенило - Demilich, конечно же. При этом сама "Inner Paths..." - переложенные на музыку эмоции и ощущения от переживания кислотного трипа, и начинается она максимально далеко от рамок смертельного жанра, где-то в областях психоделического эмбиента. Умение достойно раскрутить, разогнать и уместно "утяжелить" подобный опус - само по себе искусство, но при этом главное сокровище альбома ещё ждёт нас впереди.

Честно говоря, одолеть все восемнадцать минут экзистенциальной "Awakening from the Dream..." было бы очень непросто, если бы во второй её половине курс резко не изменился. Прежние идолы отставлены в сторону, на алтаре - чёрная икона с Чаком Шульдинером, музыка превращается в нечто совсем уж безапеляционно ностальгическое, безостановочно исторгающее риффы и мелодии по мотивам "Spiritual Healing" и "Human". Это потенциально самый спорный момент релиза: честно говоря, именно здесь та самая манипулятивная сущность Blood Incantation проявляется отчетливей всего. В этот момент очень желательно разделять беззастенчивую любовь парней к группе Death, что, к счастью - мой случай. Ведь это всё-таки финал, кардинально влияющий на послевкусие от всего релиза; учитывая колоссальную продолжительность песни и лаконичность самого альбома, занимающий лишь чуть меньше четверти его объёма (с поправкой на умиротворенные пассажи, венчающие "Awakening...").

Кстати, Blood Incantation - это ещё и пример дэтового коллектива с достаточно интересной лирикой. Сами американцы относятся к ней с юмором, чего и вам рекомендую; если только вы не верите свято в инопланетный контроль над цивилизацией и/или не увлечены солипсической философией, отрицая объективную реальность за рамками собственного сознания. Хотя если вдруг увлечены, то поздравляю: вы только что придумали и этот обзор, и этот альбом, и саму группу.

Jotun  10 май 2020